Nueva Revista de Literaturas Populares

Las canciones que hiciste para mí

Diego Carballar — Thu, 29 Oct 2026 12:57:08 +0000

Solemos encontrar en los cuentos populares momentos en el que los animales y los humanos cantan: cantan estrofas y canciones que ayudan a los protagonistas a recorrer su camino;^[1] son canciones de amor y de tristeza, “cancioncillas” de la tierra que, con sus melodiosas voces –voz y melodía se funden–, ayudan a ver y a descubrir algo (el terrible secreto de las hermanas de Cenicienta, por ejemplo); muchas veces, la naturaleza –en general, aves, pero también pueden ser cañas–^[2]–, aparecen como transformaciones vocales que acercan a la humanidad y al mundo natural: pongamos, por caso, el cuento “La paloma”, recopilado por Berta Vidal de Battini en su imprescindible (para la filología, la enseñanza y el arte) colección Cuentos y leyendas populares de la Argentina; la versión es de Josefa Páez, del Distrito Pueblo, de La Rioja, registrada en el año 1950: —¡Viera, Majestá!... Todas las mañanas viene una palomita y se asienta en el árbol del pozo. Canta muy lindo y dice así: ¡Pobre mi hijo! A veces canta y a veces llora. ¡Pobre de mí en los campos sola! ¡Y mis toritos? ¿Qué harán? (Vidal de Battini, 1980). En otros relatos, cantan los diablos y las brujas (como en la serie “El domingo siete”), porque el canto tiene porción en lo que Lezama Lima llamaba “lo plutónico” de la creación (americana), que él encuentra en “la gran hazaña del barroco americano” (Lezama Lima, 2014: 43): el choque entre elementos dispares –preludio de la rebelión–, también presentes, en el caso de los cuentos populares, (que siempre pertenecen al pueblo, como señala María Roda Lida) como canción de la tierra y el territorio, asociado a la humanidad (a sus amores y escándalos) y, también, a aquello que no puede conocerse sino como una fuerza ingobernable. Hallamos cancioneros que entran en los cuentos populares, fundiendo elementos europeos e indios (en toda su inmensidad), la copla española y el amor de los pastores y pastoras en la Puna, por ejemplo. Pero dejemos las ciencias del folclore y sus maravillas aquí, sólo queríamos señalar, como punto de partida para presentar este dossier, una relación entre la voz y la erótica de la tierra que podemos escuchar en esos relatos: el contacto entre la voz y la melodía, entre texto y vida comunitaria que se produce de manera ejemplar en la canción popular.

Canción, voz, ritmo. Ana Tijoux y el rap como espacio habitable y resiliente

Paola Felicioni — Thu, 29 Oct 2026 13:05:03 +0000

Este artículo tiene como objetivo analizar cómo la música de la rapera chilena Ana Tijoux ha logrado expresar con tanta eficacia el sufrimiento, la ira y la resistencia de individuos y colectividades. La voz, el ritmo y la propia naturaleza del género rap colaboran para dar vida a un espacio libre y plural, en el que cada individuo, independientemente de su procedencia, profesión, orientación afectiva o pertenencia religiosa, puede percibirse como parte de una comunidad, de un único espacio habitable. En el álbum Vengo (2014), la artista reúne canciones de carácter abiertamente contestatario dedicadas a diversos temas sociopolíticos; entre ellas, Antipatriarca y Somos Sur, objeto del presente análisis, constituyen ejemplos emblemáticos de la fuerza expresiva y política de la producción de la artista. Partiendo de la literatura académica sobre el tema, el artículo investiga la función del ritmo en el discurso verbal y el potencial evocador e inclusivo de la voz y la canción como prácticas políticas y comunitarias, articulando el análisis a través de un examen de la estructura vocal, instrumental, rítmica y textual de las canciones. En conclusión, el rap de Ana Tijoux se configura no solo como una forma estética, sino como una práctica vocal encarnada que, a través del ritmo, produce pertenencia y activa procesos de subjetivación colectiva.

Abstract
This article aims to analyse how the music of Chilean rapper Ana Tijoux has managed to so effectively express the suffering, anger and resistance of individuals and communities. The voice, rhythm and very nature of the rap genre work together to create a free and pluralistic space in which each individual, regardless of their origin, profession, emotional orientation or religious affiliation, can perceive themselves as part of a community, of a single habitable space. In the album Vengo (2014), the artist brings together songs of an openly rebellious nature dedicated to various socio-political themes; among them, Antipatriarca and Somos Sur, the subject of this analysis, are emblematic examples of the expressive and political force of the artist's work. Based on academic literature on the subject, the article investigates the function of rhythm in verbal discourse and the evocative and inclusive potential of voice and song as political and community practices, articulating the analysis through an examination of the vocal, instrumental, rhythmic and textual structure of the songs. In conclusion, Ana Tijoux's rap is configured not only as an aesthetic form, but also as an embodied vocal practice that, through rhythm, produces belonging and activates processes of collective subjectivation.

Nada más queda: el castellano después de Cerati

Diego Di Vincenzo — Thu, 29 Oct 2026 13:17:36 +0000

El artículo sostiene que la obra de Gustavo Cerati constituye una intervención glotopolítica en la configuración del castellano rioplatense dentro del rock latinoamericano. Desde una concepción de la lengua entendida como política cultural (Del Valle, 2018), el análisis no se limita a emplear categorías previas, sino que formula, a partir de un corpus de letras de Soda Stereo y de la etapa solista de Cerati, un modelo de castellano poético-pop capaz de disputar prestigio en un género históricamente condicionado por patrones anglófonos. El trabajo se apoya en el análisis discursivo de ese corpus y en bibliografía especializada sobre rock latinoamericano, con el fin de describir cómo estas canciones reorganizan los regímenes de legitimidad lingüística. Se identifican cuatro operaciones articuladas: una sintaxis deslizante que introduce elipsis, fragmentación y apertura interpretativa; una hibridez léxica que combina campos tecnológicos, naturales, emocionales y metapoéticos; una dicción rioplatense no neutralizada; y una modulación del sujeto lírico que reconfigura la enunciación. Se concluye que estas operaciones funcionan como política lingüística tácita, ampliando el repertorio de lo decible y lo cantable en la música popular latinoamericana y habilitando para el castellano un lugar como lengua contemporánea sin necesidad de neutralizar su acento.

Abstract
This article examines Gustavo Cerati’s work in relation to the ways Rioplatense Spanish becomes audible, legible, and culturally valued within Latin American rock. Drawing on an understanding of language as a form of cultural politics (Del Valle, 2018), the study approaches Cerati’s lyrics not merely as aesthetic artifacts but as sites where linguistic legitimacy is negotiated in a genre historically shaped by Anglophone models. The analysis is based on a corpus of songs from Soda Stereo and Cerati’s solo career, examined through discourse analysis and scholarship on Latin American rock. The article identifies four interrelated operations that organize this intervention: a sliding syntax characterized by ellipsis, fragmentation, and interpretive openness; a form of lexical hybridity combining technological, perceptual, affective, and metapoetic fields; a non-neutralised Rioplatense diction sustained in contexts of mass circulation; and a modulation of the lyric subject that displaces confessional centrality without eliminating the first person. It is argued that, taken together, these operations function as a tacit language policy within popular music, expanding what can be said and sung in Spanish and enabling Rioplatense Spanish to circulate as a contemporary language in Latin American pop-rock without neutralising its accent or subordinating itself to Anglophone expressive norms.

Contursi, avatares de la lírica de amor en el tango-canción: el caso Gricel

Walter Romero — Thu, 29 Oct 2026 13:34:41 +0000

Este artículo examina la obra de José María Contursi como un momento fundamental en la evolución del tango-canción, posicionando su estética como un puente entre la tradición ancestral de la lírica amorosa y la modernidad urbana del Buenos Aires del siglo XX. Basándose en las teorías de Menéndez Pidal y los marcos filosóficos de Roland Barthes y Alain Badiou, el estudio explora cómo la persona lírica de Contursi trasciende la anécdota específica para alcanzar dimensiones ontológicas y universales. A través de un análisis comparativo, la investigación establece vínculos intertextuales entre la producción “monolítica” de Contursi y los principales hitos poéticos de Occidente –que abarcan desde el dolce stil nuovo y los tropos petrarquistas hasta la idealización dantesca de la amada. Se otorga especial énfasis al caso icónico de “Gricel”, analizado aquí como un paradigma del “amor imposible”, donde la tensión entre la culpa, la “Ley de Dios” y la sacralización del objeto de deseo redefine el paisaje sentimental de la década de 1940. El artículo concluye que el lenguaje refinado y neorromántico de Contursi no solo contrarrestó la creciente influencia del bolero, sino que elevó al tango a un espacio de reflexión ética y existencial.

Abstract
This article examines the work of José María Contursi as a pivotal moment in the evolution of the tango-canción, positioning his aesthetic as a bridge between the ancestral tradition of love lyrics and the urban modernity of 20th-century Buenos Aires. Drawing on the theories of Menéndez Pidal and the philosophical frameworks of Roland Barthes and Alain Badiou, the study explores how Contursi’s lyric persona transcends specific anecdotes to attain ontological and universal dimensions. Through a comparative analysis, the research establishes intertextual links between Contursi’s “monolithic” production and major Western poetic milestones –ranging from the dolce stil nuovo and Petrarchan tropes to the Dantean idealization of the beloved. Special emphasis is placed on the iconic case of “Gricel”, analyzed here as a paradigm of “impossible love” where the tension between guilt, the “Law of God”, and the sacralization of the object of desire redefines the sentimental landscape of the 1940s. The article concludes that Contursi’s refined and neo-romantic language not only countered the rising influence of the bolero but also elevated the tango to a space of profound ethical and existential reflection.

Canción y sonoridad brasileña en la escena nocturna de Até sangrar, de Áurea Martins

Patricia Soares Paterson — Thu, 29 Oct 2026 13:40:58 +0000

Este artigo analisa a voz no canto popular a partir de uma audição comentada do disco Até sangrar, de Áurea Martins (2008), tomando como foco a terceira faixa, estruturada em medley/pot-pourri. Descreve-se a cena musical construída pela costura de canções associadas à “dor de cotovelo”, com ênfase em Lupicínio Rodrigues, e examinam-se escolhas interpretativas e de arranjo (piano, saxofone, violão, dinâmica vocal) como operadores de uma ambiência específica. Para sustentar a análise, mobiliza-se a noção de paisagem sonora (Schafer), em diálogo crítico com Chion, articulando-a a contribuições de Benjamin sobre a reconfiguração moderna da escuta e a Wisnik sobre as relações entre som, ruído e silêncio. Discute-se ainda a canção como classe de linguagem (Tatit) e a dimensão performática da voz, compreendida como locus de oscilação entre canto e fala, bem como de negociação cultural do que é audível/significativo. Argumenta-se que a paisagem sonora não apenas enquadra modos de escuta e vocalidade em determinado contexto histórico-social, mas também é reconfigurada pela própria criação vocal e tecnológica do canto popular.

Abstract
This article examines voice in popular singing through a commented listening analysis of Áurea Martins’s album Até sangrar (2008), focusing on the third track, structured as a medley/pot-pourri. It describes the musical scene produced by stitching together songs associated with “dor de cotovelo” (heartbreak), emphasizing Lupicínio Rodrigues, and it analyzes interpretive and arranging choices (piano, soprano saxophone, guitar, vocal dynamics) as operators of a specific sonic ambience. The discussion draws on the concept of soundscape (Schafer), in critical dialogue with Chion, and articulates it with Benjamin’s reflections on modern transformations of listening and Wisnik’s account of relations among sound, noise, and silence. The article also engages the song as a class of language (Tatit) and the performative dimension of voice, understood as a site of oscillation between singing and speech and of cultural negotiation over what becomes audible and significant. It argues that soundscapes not only frame listening habits and vocality within a given historical-social context, but are also reshaped by the vocal and technological inventions of popular song.

“Estas palabras tan consoladoras para nuestra pobre humanidad agobiada y doliente”: una aproximación glotopolítica a las ediciones de la Novena de Aguinaldos colombiana

María Carolina Rueda M'Causland — Thu, 29 Oct 2026 13:57:04 +0000

El artículo analiza, desde una perspectiva glotopolítica, algunas ediciones de la Novena de Aguinaldos colombiana y enunciaciones metadiscursivas sobre esta, para identificar ideologías e ideologías lingüísticas asociadas a sus transformaciones y permanencias. Se parte de una edición publicitaria publicada en 2024 por la revista de farándula Vea para mostrar cómo varias de sus características son resultado de sucesivos procesos de renegociación de la tradición, y se resalta su relación dialógica con ediciones de 1910, 1956 y 2011, que constituyen hitos centrales en la historia del texto, lo que da cuenta del éxito de las estrategias de legitimación de sus editores en la disputa por la autoridad de la tradición. De los diversos tipos de modificaciones incorporadas a lo largo de poco más de un siglo, el artículo se centra en las ediciones que más han contribuido a perpetuar la idea de que se trata de un texto inalterado: la versión producida por una monja de comienzo del siglo XX que representaba los ideales de la élite republicana; apropiada por el Estado como una tradición popular como parte de un ejercicio de construcción de la identidad nacional; transformada en un texto anónimo que ha servido como instrumento publicitario de diversas marcas, y, recientemente, convertida en símbolo de una tradición colonial, recuperando su carácter eclesiástico. Las ediciones analizadas muestran cómo la Novena ha logrado adaptarse a las cambiantes relaciones de poder, manteniéndose como eje central de las tradiciones navideñas del país.

Abstract
The article analyzes, from a glottopolitical approach, several editions of the Colombian Novena de Aguinaldos and metadiscursive statements about it, in order to identify ideologies and linguistic ideologies associated with the text’s transformations and continuities. It takes as its starting point an advertising edition published in 2024 by the celebrity magazine Vea, showing how several of its features are the result of successive processes of renegotiating tradition. The article also highlights its dialogic relationship with editions from 1910, 1956, and 2011, which constitute central milestones in the history of the text and reveal the success of their editors’ strategies of legitimation in the struggle for authority over tradition. Among the various types of modifications incorporated over a little more than a century, the article focuses on the editions that have contributed most to perpetuating the idea that the Novena is an unchanged text: the version produced by an early twentieth-century nun, which represented the ideals of the republican elite; its appropriation by the State as a popular tradition within a project of constructing national identity; its transformation into an anonymous text that has served as an advertising instrument for various brands; and, more recently, its conversion into a symbol of colonial tradition through the recovery of its ecclesiastical character. The editions analyzed show how the Novena has managed to adapt to changing relations of power while remaining a central axis of Christmas traditions in Colombia.

"Decadencia" de Giorgio Agamben. Traducción y nota introductoria de Diego Bentivegna

Diego Bentivegna — Thu, 29 Oct 2026 14:10:07 +0000

Presentamos aquí la primera traducción al castellano de “Decadencia” de Giorgio Agamben, en el que las configuraciones de pueblo, de comunidad, de la vida y de su transmisión juegan un rol crucial, en diálogo evidente con algunos relatos kafkianos como “Josefina la cantora o el pueblo de los ratones”.
El relato fue publicado originalmente en la revista Futuro, en el número 6 de mayo-junio de 1964. La revista salió entre 1963 y 1964 y fue uno de los órganos más notables de la ciencia ficción y de la literatura fantástica en Italia. En el mismo número en que se publicó el relato de Agamben, se publicaron traducciones al italiano de textos de Jorge Luis Borges y de Adolfo Bioy Casares. En otros números de Futuro se publicaron contribuciones de otros dos autores argentinos: Silvina Ocampo y Juan Rodolfo Wilcock, que por entonces vivía ya en Italia y que fue el nexo entre Agamben y algunos círculos intelectuales italianos, como el propio filósofo narra en Autorretrato en el estudio. No es improbable que el autor de El caos haya sido, también, el puente entre el joven autor, que entonces tenía veintidós años, y el grupo de escritores de ciencia ficción nucleado en Futuro.
En algunas minuciosas bibliografías universitarias de las publicaciones de Agamben este texto figura como la primera publicación del autor. Sin embargo, tenemos noticia de, al menos, una publicación anterior: la reseña del libro de cuentos Lo scialle andaluso de Elsa Morante, publicada en Paese sera el 18 de diciembre de 1963 bajo el título “Lo scrittore è come un ladro di lumi” (“El escritor es como un ladrón de lámparas”).
“Tú eres la pájara de mar, que ha fabricado su nido / sobre la escollera sombría, entre las arenas negras…”, es el comienzo de la dedicatoria en verso con el que se inicia el libro de cuentos de Morante. A su vez, en el cuento “El caos”, que da título al libro de relatos de Wilcock publicado en 1960 por la editorial de Valentino Bompiani (padre de Ginevra, que fue esposa de Agamben), el narrador es, en un momento determinado, presa en la orilla del mar de un grupo de amenazantes aves marinas. Acaso pueda conjeturarse que, de un modo u otro, el relato de Agamben que aquí traducimos dialoga con ambos.

Sobre "Canciones de moda. Enrique González Tuñón" (2025) de Oscar Conde y Daniela Lauria (Eds.)

Dulce María Dalbosco — Thu, 29 Oct 2026 14:24:53 +0000

El libro Canciones de moda, editado por Oscar Conde y Daniela Lauria, recupera cuarenta y una glosas escritas por Enrique González Tuñón para el diario Crítica entre 1925 y 1931, inéditas hasta ahora en formato libro. De este modo, los editores ponen en circulación un conjunto de textos que hasta el momento solo eran accesibles para aquellos investigadores o aficionados que decidieran consultar periódicos de un siglo de antigüedad. El factor común y el criterio de selección de las glosas es que todas ellas toman como disparador canciones de variadas especies musicales vigentes en aquella época. Dichas composiciones pertenecían a los repertorios de los músicos tangueros, pero no eran propiamente tangos, razón por la cual José Gobello las ha denominado paratangos (Gobello, 2003). El volumen constituye, por lo tanto, una edición crítica particularmente valiosa, puesto que amplía el archivo de la literatura popular del siglo XX y vuelve legible un corpus periodístico transmedial mediante un consistente aparato filológico-lingüístico.

Sobre "La literatura costumbrista de los países del Plata. Un panorama" (2025) de Robert Lehmann-Nitsche. Traducción y edición de Gustavo Giovannini

Camila de Oro — Fri, 30 Oct 2026 11:43:53 +0000

Gustavo Giovannini llevó a cabo una de las empresas que más de uno de nosotros, investigadores convocados por la figura de Robert Lehmann-Nitsche, hubiera querido hacer: editar parte del acervo documental del etnólogo alemán conservado en el Ibero-Amerikanisches Institut. Este libro reúne reseñas sobre publicaciones literarias que circularon en el área rioplatense entre 1915 y 1920. En el notable estudio introductorio, Giovannini –traductor y editor del libro– sostiene que se trata de hojas sueltas manuscritas organizadas por orden alfabético, acorde a los apellidos de los treinta y un autores argentinos y uruguayos reseñados. Estas hojas están precedidas por una suerte de portada que versa “Die volkskundliche Literatur der La Plata Länder. Eine Übersicht von Robert Lehmann-Nitsche”, aspecto que “demuestra que el ordenamiento de las hojas se realizó con la clara intención de que se configurara como libro” (Giovannini, 2025: 17). De las reseñas, solo una fue publicada en octubre de 1917, en el Deutsche La Plata Zeitung, periódico en lengua alemana editado en Buenos Aires, a poca distancia de La Plata, donde Lehmann-Nitsche vivió durante tres décadas. En este sentido, Giovannini menciona las diferencias entre la versión manuscrita y la que fue publicada, como también las críticas por parte del etnólogo hacia los editores que no habían respetado el texto original. Esta es, señala Giovannini, la posible razón por la cual las reseñas restantes permanecieron inéditas y terminaron en cajas resguardadas en la institución berlinesa, la que adquirió buena parte del archivo de Lehmann-Nitsche.

Sobre "La voz y el artificio. Orígenes e incrustaciones de la literatura paraguaya en guaraní" (2025) de Rodrigo Villalba Rojas

Mateo Niro — Fri, 30 Oct 2026 11:52:24 +0000

El libro de Rodrigo Villalba Rojas sobre la literatura paraguaya en guaraní presenta una serie de novedades teóricas y metodológicas que vale la pena referir así sin más. Una es que pone el foco en un corpus difuso y relativamente lateral para los estudios literarios. Otra, formal. Un botón de muestra de esto lo revela la primera palabra del primer renglón del libro: “Imagino una escena de la Guerra del Chaco”. Imagino, dice, y de modo manifiesto se escabulle del impersonal y de la prueba; lo que exhibe, más bien, es la primera persona y la fantasmagoría. De esta manera, en lo conceptual y en lo instrumental, La voz y el artificio. Orígenes e incrustaciones de la literatura paraguaya en guaraní interviene en un problema central para los estudios literarios latinoamericanos: ¿cómo se constituye una literatura en una lengua históricamente asociada a la oralidad, subordinada por los dispositivos estatales y relegada por los relatos canónicos de la nación? La literatura escrita paraguaya fue leída tradicionalmente a través de la producción en castellano, mientras que la escritura en guaraní aparecía como una zona periférica, folklórica o subsidiaria. Se trata, entonces, de discutir esa herencia crítica.

Sobre "El gaucho indómito. De Martín Fierro a Perón, el emblema imposible de una nación desgarrada" (2023) de Ezequiel Adamovsky

Julieta María Richiello — Fri, 30 Oct 2026 12:02:45 +0000

En 2016 la Academia Sueca galardonó a Bob Dylan con el polémico Premio Nobel de Literatura por “haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición de la canción estadounidense”. El gesto de Dylan, reconocido como un trovador moderno, pareciera consistir en sustraer ritmos y temas que germinaban e interpelaban al pueblo (folk) para producir a partir de estos sustratos de expresión poética una canción que circulara –incluso en los Grammys– el saber oral y popular (lore) estadounidense para que este retornara a su lugar de origen. Tal como José Hernández sustrajo y adaptó los estilos de la improvisación cantada, El gaucho indómito. De Martín Fierro a Perón, el emblema imposible de una nación desgarrada (2023) del historiador Ezequiel Adamovsky compone en esta segunda edición un contracanto subversivo y disidente del “criollismo” como “un modo particular de hablar de lo popular –de la vida del bajo pueblo, de su pasado, de sus aspiraciones, de sus valores– a través de la figura del gaucho”, a partir de un recorte “popular” de expresiones producidas por “artistas y escritores de origen popular, o con intención de llegar al público de las clases bajas, o que circuló de manera masiva sin depender de impulsos estatales” (13). Es este fenómeno cultural, que da cuenta del “carácter dislocado de los procesos de formación de las naciones en espacios periféricos” (Adamovsky, 2023: 15), el que este ensayo se interroga de forma preliminar: ¿cuáles son esas “personificaciones de la nación”, esas ideas de “pueblo”, de un “nosotros”, de “la argentinidad” que merodeaban antes de que el territorio pudiera llamarse jurídica y legalmente “Nación-Argentina”?